20 anos de Pestapokalypse VI do Belphegor!!!

Em 2006, a banda austríaca Belphegor lançava seu sexto trabalho, Pestapokalypse VI, que carrega um dilema interessante. Até aquele momento, o álbum passou a ser o trabalho mais odiado por uma parcela dos fãs da banda, assim como o mais amado por outra parcela. Mas qual a razão de tamanha ambiguidade? Uma delas é que a banda enfim foi contratada pela maior gravadora de metal do planeta, a Nuclear Blast, o que, para alguns, já era caso de se vender (tsc tsc). Outra coisa foi a produção ter caído nas mãos de Andy Classen, no Stage One Studios, na Alemanha. O produtor é acostumado a trabalhar com metal extremo, mas também é acusado de, às vezes, deixar os instrumentos muito limpos, como em trabalhos do Tankard ou do Holy Moses. Mas o cara mandou muito bem.

Faixas mais lentas e com mais melodias são a principal mudança, mesmo que nem tanto assim, pois nos dois últimos trabalhos o Belphegor já havia dado mostras de uma maior morbidez em algumas músicas. A arte da capa, criada por Seth Siro Anton, que já fez trabalhos para Septicflesh, Vader e outros, não trouxe a nudez e aquela coisa mais pornodiabólica de outrora, mas se concentrou na temática do álbum, que uniu a Peste Negra na Europa à redução da fé das pessoas, que teriam passado a questionar Deus durante aquele período sombrio, quando missas negras começaram a se espalhar, segundo a banda. Uma curiosidade é a faixa “Seyn Todt in Schwartz”, que foi gravada ao vivo em um festival na Polônia, mas isso não fica explícito ao ouvir a bolacha.

Faixas como “Angel of Retribution”, muito arrastada e mórbida, podem ter assustado os fãs da era extremamente brutal, que estavam acostumados a ouvir um massacre do início ao fim. Eu, particularmente, faço parte da parcela que prefere Pestapokalypse VI aos álbuns anteriores. “Das Pesthaus” é uma instrumental que encerra o álbum, mas conta com alguns sussurros femininos feitos por Rachael Hecate, que repetiu a dose em outros dois trabalhos futuros do Belphegor. Um petardo fulminante que completa 20 anos com classe.

 

20 anos de Threshold do Hammerfall!!!

Quando o HammerFall lançou seu sexto álbum, Threshold, em 2006, a popularidade da banda já havia sofrido uma certa queda, mas a qualidade não. O trabalho anterior, Chapter V: Unbent, Unbowed, Unbroken, já não conseguira alcançar o patamar de Crimson Thunder ou de seus antecessores, mas, ainda assim, acredito que Threshold seja um álbum um pouco melhor que o anterior. Ele não é um álbum bombástico, nem tem muito daquela veia de heavy metal tradicional de outrora, apesar de uma música como "Shadow Empire" carregar, em seus refrãos com corais, algo que remete à boa fase do heavy alemão. Uma música mais animada e tradicional é justamente a instrumental "Reign of the Hammer", com belo trabalho de bateria de Anders Johansson e belas guitarras de Oscar Dronjak e Stefan Elmgren. Aliás, é bom lembrar que este foi o último trabalho de Elmgren nas guitarras do HammerFall, além de marcar a despedida do baixista Magnus Rosén.

O trabalho é bem coeso. Dificilmente uma mente esclarecida irá encontrar músicas ruins entre as ótimas, muito menos ótimas entre as ruins (dependendo do quanto você possa curtir Threshold), uma vez que é aquele típico álbum coeso em que, se você gosta da faixa-título que abre o trabalho, também vai gostar do que vem até o final, com "Titan". Aliás, esta é a música mais pesada do trabalho, com riffs de guitarra bem power metal e um refrão fortíssimo, além daquele momento do "ôôô" que todos os fãs do HammerFall adoram durante as apresentações. E já que falamos de guitarra, aquele início de "Genocide" é simplesmente fenomenal, destoando um pouco do restante do trabalho.

Mas preciso destacar a faixa "Dark Wings, Dark Words". Ela é uma semibalada com aquela típica e exemplar interpretação vocal de Joacim Cans, mas também traz um instrumental melódico muito bem executado e, para mim, é o ponto mais alto de Threshold. Ela também traz uma referência literária a A Song of Ice and Fire, de George R. R. Martin, assim como no álbum anterior. O álbum estreou na 1ª posição da parada sueca e permaneceu na lista por oito semanas. Então, não é qualquer álbum que consegue feitos como esse.

 

20 anos de Burden of Truth do Circle II Circle!

Eu praticamente engoli o livro O Código Da Vinci quando foi publicado. Cada capítulo, com seu repertório frenético, cheio de reviravoltas e suspense, me jogava imediatamente ao capítulo seguinte. E acredito que Zak Stevens, vocalista do Circle II Circle, tenha sentido o mesmo, pois resolveu lançar um álbum conceitual sobre a obra de Dan Brown, unindo-a à leitura de O Santo Graal e a Linhagem Sagrada. Para nossa sorte, as letras não retratam exatamente aquilo que encontramos no livro, pois isso poderia afastar alguns fãs que acharam a obra comercial demais. Portanto, você nem precisa conhecer o livro, nem ter visto a adaptação para o cinema, que é muito ruim, por sinal, para gostar de cada segundo de Burden of Truth. Um trabalho genuíno de power metal, com pitadas de progressivo, que compete bem em qualidade com o debut de 2003.

Este é o terceiro trabalho da banda e o primeiro a não contar com os membros do Savatage Jon Oliva e Chris Caffery, além de ser o que menos se assemelha à antiga banda de Zak. E o que poderia se tornar um problema serviu, ao contrário, para provar que a banda tinha talento suficiente para trilhar um caminho próprio. Zak está cantando de forma sensacional, com um sentimento pungente, e ainda é o grande destaque. Mas a dupla de guitarristas Paul Michael Stewart e Evan Christopher manda muito bem, com riffs bem feitos e solos muito bons, como o de "The Black", que é perfeito. Não sei dizer qual elemento, mas, em vários momentos deste trabalho, a fase do Iced Earth com Stu Block me vem à mente, como na ótima faixa "Messiah", por exemplo.

A capa é bonita e faz referência aos Cavaleiros Templários, algo bem alinhado à temática do livro. Em julho de 2006, antes mesmo do lançamento oficial, a banda anunciou que havia escondido um mistério em algum lugar da arte gráfica e nas letras das músicas. Os fãs seriam convidados a descobrir esse segredo em um concurso que começaria numa sexta-feira 13, em outubro daquele ano. A data era uma referência ao dia em que um dos grão-mestres dos Cavaleiros Templários, Jacques de Molay, foi preso. Se alguém descobriu ou se a banda divulgou algo posteriormente, não sabemos. O negócio é pegar a bolacha, sentar no sofá com um copo de cerveja e curtir o bom trabalho que o Circle II Circle criou.

Destaques para a faixa de abertura, "Who Am I to Be?", "A Matter of Time", "Revelations", "Black", a faixa-título e o excelente fechamento com "Live As One".

 

20 anos de A Line of Deathless Kings do My Dying Bride!!!

O que esperar do lançamento de uma banda que, dois anos antes, havia lançado um dos melhores trabalhos de sua carreira, o perfeito Songs of Darkness, Words of Light? É até natural você se decepcionar um pouco quando a expectativa é muito grande, e foi o que aconteceu no meu caso quando o 9º trabalho dos ingleses do My Dying Bride aportou por aqui, no Brasil, via Black Metal Attack Records, em 2006, sob licença da Peaceville. O que mais me incomodou na época foi a redução da maldade e da sujeira que o death doom trouxera, dando lugar a uma jornada mais melódica. Tudo bem que álbuns mais melódicos já haviam sido lançados antes, como The Angel and the Dark River, que é sensacional, por sinal, mas o maior problema aqui era que o vocalista Aaron Stainthorpe estava cantando. E antes que você me chame de louco, afinal, os vocalistas cantam, mas não Aaron. Ou ele rosnava, ou rugia como um trovão nos primórdios, ou chorava e falava. Mas cantar? Caracas, man, não esperava por isso.

Claro que se passaram 20 anos e minha percepção deste álbum mudou completamente. E, como vinho, A Line of Deathless Kings envelheceu soberbamente. Temos um álbum mais limpo, em que as guitarras são sentidas com perfeição. Na primeira faixa, "To Remain Tombless", temos algo pouco típico no som da banda: as guitarras não se apresentam choradas, com aquelas melodias arrastadas. Ao contrário, soam como rápidos arpejos, como os últimos e carregados suspiros de um anjo. Mas em "L'amour Détruit" o trem retorna aos trilhos com a famigerada e esperada melodia carregada de mortandade, fazendo desta um dos melhores momentos do opus. "Thy Raven Wings" é uma das faixas para se perceber o quão bem Aaron está cantando, numa interpretação de arrasar corações enegrecidos. Você quase não ouve rosnados neste play. Eles aparecem em momentos bem escassos, como em "Love's Intolerable Pain".

Algo que sempre faz falta no som do My Dying são os violinos, afinal, a banda era conhecida em seus primórdios pelo uso do clássico instrumento, que introduzia uma dose de sofrimento ao som aterrorizante de metal da morte arrastado. Aqui temos os teclados de Sarah Stanton dando um clima de profundidade e mistério, sem muitos holofotes, porém os violinos fazem falta. A arte da capa traz sete figuras que podem representar os deuses imortais que o título sugere. Algumas vezes, ela foi interpretada como uma associação à ficção científica, algo totalmente fora do contexto pretendido tanto pela banda quanto pelo artista Matthew Vickerstaff, que era um conceito voltado aos faraós do antigo Egito.

E, para finalizar, a banda soube deixar para o final aquela que é uma das melhores músicas que o My Dying Bride já compôs: a ótima "The Blood, The Wine, The Roses", com seus riffs cavalgados e uma bela interpretação de Aaron, com a peculiaridade de apresentar, nos últimos segundos, uma passagem de death metal explícito. Só ouvindo para sentir toda a essência. 

 

20 anos de Bio-Violence do Drowned!!!

O Drowned, de Belo Horizonte, chegava a seu quarto full-length, intitulado Bio-Violence, em 2006. Após alguns trabalhos imprescindíveis, cada qual com sua identidade, era hora de mostrar se ainda havia formas de demonstrar força em meio a um período de revigoramento do metal nacional, com lançamentos cada vez mais carregados de qualidade, buscando um equilíbrio com o metal mundial.

Gravado no DR Studio, em Nova Lima, e produzido pelo guitarrista Marcos Amorim e pela própria banda, Bio-Violence foi criado com a intenção de soar mais original e não seguir a mesma fórmula. Acredito que a banda tenha soado mais séria neste álbum, e a palavra seria “profissional” se isso não acabasse por deturpar o passado para quem não conseguisse entender. Isso pode ter tirado um pouco da fúria tradicional da banda, em uma audição menos atenta. Porque, na real, o Drowned acabou não mudando a fórmula nem reinventando a roda, mas permaneceu fiel ao seu legado.

Se pegarmos minha faixa favorita neste álbum, justamente a faixa-título, eu a colocaria para abrir o disco no lugar de “New Romes Arise”. Primeiro, porque ela tem uma introdução ultrapesada e cadenciada que acho perfeita para uma abertura. Segundo, porque sua estrutura lembra demais algumas músicas de By the Grace of Evil, o álbum anterior e o melhor da banda. Ok, várias músicas seguem essa tendência, como “The Fossil Target”, com alguns detalhes à parte, já que os vocais limpos de Marcos Amorim foram reduzidos, assim como o impacto dos refrãos.

Mas temos um som de guitarras bem produzido, com bases pesadas e pouco abafadas, amparadas pelo baixo, além de guitarras mais melódicas, bem limpas e choradas. Por falar em baixo, quem gravou o instrumento foi Wesley Ribeiro, que estava no The Mist e anunciou sua saída estes dias, no lugar de Rodrigo Nunes, que, na época, foi para o Eminence.

A capa foi novamente criada pelo vocalista Fernando Lima e também mostra uma arte mais madura, apesar de eu gostar mais das anteriores. Acredito que, assim como Butchery Age, Bio-Violence tenha se tornado mais bem compreendido e aceito com o passar do tempo, mesmo tendo reduzido um pouco a brutalidade, sem deixar de ser death/thrash, no entanto.

 

20 anos de The Burning Halo do Draconian!!!

O quão surpreendente pode ser uma banda? Ultimamente, isso é tão difícil de acontecer que parece que aquelas bandas capazes de colocar uma legião de fãs em êxtase pela terceira vez consecutiva ficaram todas confinadas nos anos 80. O Draconian, da Suécia, é um exemplo de banda que brilhou no debut, provou que a perfeição existe no segundo trabalho e manteve a qualidade no mesmo nível nesta sequência denominada The Burning Halo, de 2006.

Apresentando um novo guitarrista, Daniel Arvidsson, que hoje é o baixista da banda, e Fredrik Johansson no baixo, no lugar de Jesper Stolpe, o grupo manteve os demais integrantes e também a atmosfera pesada, com uma carga emocional melancólica no sentido mais puro da palavra.

“She Dies” é uma música que acaba com você, literalmente. Ela abre o álbum e é como se ouvíssemos uma sequência natural de Arcane Rain Fell. A tensão que a música traz endurece nossos músculos, como se estivéssemos sendo envenenados e inebriados pelo cheiro de álcool mentolado escorrendo pelos lábios de um anjo que morde nosso pescoço enquanto ceifa nossa vida com delicadeza e resignação.

As guitarras passeiam com tristeza sobre nossos corpos, e a voz gutural de Anders Jacobsson grita para nos manter acordados, para manter o último elo de vida entre o mundo espiritual e o mundo físico. Ao mesmo tempo, a voz de Lisa Johansson, delicada como uma teia de aranha, sufoca nossa respiração, enquanto suas mãos geladas nos puxam em direção à escuridão.

Tudo bem que “She Dies” é uma das melhores músicas da carreira do Draconian, mas, ainda assim, o álbum nos traz um conjunto de pérolas preciosas dentro de conchas pegajosas, prontas para serem abertas e nos presentear com sua delicadeza e beleza resplandecente. Não importa se é a sutileza de “Serenade of Sorrow”, quando Anders e Lisa cantam juntos, mas em tons tão opostos, ou o princípio de fúria e revolta enclausuradas em “The Morningstar”: qualquer momento de The Burning Halo é um bálsamo de serenidade e languidez latentes.

E, para aqueles que criticam a decisão da banda de acrescentar dois covers ao álbum, “On Sunday They Will Kill The World”, da banda Ekseption, e “Forever My Queen”, do Pentagram, vale lembrar que a ideia inicial de The Burning Halo era a de uma coletânea, já que “She Dies”, “Through Infectious Waters (A Sickness Elegy)” e “The Dying” são as únicas músicas inéditas do álbum. Além dos covers, as outras três faixas são regravações de fitas demo.

Mas ninguém no mundo, em sã consciência, vai considerar um álbum tão maravilhoso uma coletânea, não é mesmo?

Blast Doommaker

 

Curiosidades sobre Taking Over do Overkill!!!

Nosso ponto de partida para as publicações do Metal e Loucuras sempre foi este blog, inaugurado em novembro de 2009. Porém, temos deixado este espaço restrito às resenhas de 20 anos, pois elas têm a cara de um blog, com textos mais longos e, geralmente, apenas uma ilustração.

Mas entendemos que alguns conteúdos que criamos para o Instagram nos últimos tempos não deveriam permanecer apenas por lá, rolando no feed. Queríamos que eles também ficassem eternizados por aqui. O que não sabemos é se o formato de vários slides causaria algum impacto neste espaço.

Como somos teimosos com algumas ideias, resolvemos tentar. O quadro CURIOSIDADES, que traz slides sobre algum álbum clássico em especial, foi lançado há pouco tempo e já conta com três apresentações, dedicadas a álbuns do Overkill, Messiah e Head Hunter D.C.

Vamos iniciar esta experiência agora com Taking Over, do Overkill, que foi o primeiro álbum que ouvi da banda e sempre foi o meu preferido.

Blast Doommaker!